Técnica Mixta

AVES DEL AMAZONAS 

Sobre cartón  Arte

50 x 37 ctms. 

NOCHE DE LUNA 

Sobre Cartón Arte 

50 x 37 ctms.

PAISAJE DE MI TIERRA

Sobre Carton Arte 

50 x 37 ctms 

OBRAS

Técnica Mixta

ATARDECER DEL VALLE

Sobre Cartón Arte

50 x 37 ctms.

HELICONIAS

Sobre Cartón Arte 

50 x 37 ctms.

Vendido

PRIMAVERA 

Sobre Cartón Arte 

50 x 37 ctms.

Vendido

TEMAS VARIOS

Pintura. Técnicas y materiales

Publicado en: Muvep

La pintura, como materia está compuesta por dos elementos fundamentales: los pigmentos y el  aglutinante. Los pigmentos son sustancias minerales o químicas en forma de polvo con colores diversos. Los aglutinantes son los elementos que dan cohesión y fijan los pigmentos. Las técnicas de la pintura están determinadas por el aglutinante, ya que los pigmentos son aproximadamente los mismos. Dependiendo pues del aglutinante, encontraremos mayor o menor luminosidad.

Las técnicas de pintura se pueden dividir en grandes grupos dependiendo del medio en el cual, se diluyen los diferentes materiales para pintar:

Acuarela.- Cuando el aglutinante es la goma arábiga y como vehículo el agua.

Témperas.- Cuando el vehículo es agua y diferentes tipos de colas.

Collage.- Generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas clásicas como el óleo, conjuntamente con el encolado de objetos diversos.

Cera o incáustica (o encáustica).- Cuando el vehículo son ceras, que normalmente se usan calientes o en formas de barritas que no necesitan calentarse.

Lápices de colores.- Son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Cómo aglutinante se emplean colas y ceras. Existen también los lápices acuarelables, es decir aquellos que una vez aplicados se puede utilizar el agua como medio de difuminar el color.

Acrílicos.- Cuando el vehículo usado son los diversos materiales sintéticos. El aglutinante es el alquil

Pastel.- Cuando se pinta con tizas de colores. Lo que da cohesión a las barras es la goma tragacanto.

Temple.- Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína.

Óleos.- Cuando el vehículo empleado son aceites.

Técnicas mixtas.- Cuando se emplean diversas técnicas en una misma obra.

En general los pigmentos no son solubles en el aglutinante permaneciendo dispersos en él. Para escolares, son especialmente aconsejables las siguientes técnicas:

Acuarela .- La técnica de la acuarela de gran luminosidad, es habitual el no emplear el blanco, siendo la dilución del color en agua y el fondo del papel blanco, lo que proporciona esa claridad. Es por ello que entraña ciertas dificultades el uso de la acuarela, ya que no se puede enmendar ni raspar. Generalmente se emplea como aglutinante la goma arábiga, aunque desde antiguo también se empleaba la miel de romero y el azúcar.

Témperas.- Es una técnica muy cubriente por no estar los pigmentos en suspensión, formando una capa opaca de pigmento y aglutinante. Es un buen material para los escolares por su fácil limpieza y poder de cubrición de los colores.

Cera o incáustica (o encáustica).- Es una de las técnicas más antiguas. El ingrediente fundamental en esta técnica es la cera de abejas. Se diluye con trementina o con el calor de los dedos al frotar o pasar por encima de la cera. En la actualidad, se vende en forma de barritas, que permite su uso a los escolares.

Lápices de colores.- Los lápices con colores diversos, se utilizan para dar color o bien para colorear dibujos realizados con diversas técnicas. Todas las personas en su niñez han trabajado alguna vez con ellos en la escuela. Vienen en diferentes presentaciones para su venta, por lo regular son de 6,12, 24, 36 ó 48 colores distintos. Existen lápices de colores de distintas marcas y calidades. La característica que distingue a los lápices de colores profesionales de los escolares, es que los profesionales son más grasos, pudiendo así dar más graduación en el tono con ellos.

Pastel.- Es una técnica de gran luminosidad por llevar en su composición muy poco aglutinante. Se utilizan pigmentos puros al que se añade algo de goma tragacanto para darle cohesión y formar barras con las que se pinta directamente. Es una técnica de gran belleza, pero de difícil conservación.

Pintura mural.- Constituye un tipo de pintura realizada sobre el muro y condicionada por el espacio arquitectónico, es decir las dimensiones y las formas de la pared donde se va aplicar. Para adolescentes y jóvenes los lugares de expresión como la pintura mural, constituyen oportunidades de participación y construcción colectiva de espacios, donde el muro se constituye en un desafío y una invitación a crear de una manera diferente, y donde el objeto de la creación es compartido con otros, lo cual crea un interés en comunicarse con su entorno y con su comunidad.

Técnica mixta .- Se entiende como tal, cuando se utilizan diversas técnicas como ceras y témperas, collage, acrílicos, o la incorporación de materiales que den cuerpo a la pintura, como los pigmentos u óxidos, cuarzos, cretas, papel triturado…complementando dichos materiales con  colas o aglutinantes.

GRANDES MAESTROS

Bartolomé Esteban Murillo

Publicado en:buscabiografias.com

(31/12/1617 - 03/04/1682)
                                                                       Pintor español

Nació el 31 de diciembre de 1617 en Sevilla. El 1 de enero de 1618, es bautizado en la Iglesia de la Magdalena de Sevilla, como el menor de los catorce hijos de Gaspar Esteban (barbero cirujano) y María Pérez. Tras morir su padre el 27 de julio de 1627, fallece su madre el 8 de enero de 1628. Pasa a vivir con su hermana Ana y su marido, el cirujano Juan Agustín Lagares, que a partir de éste momento se convierte también en su tutor. A los catorce años, entra a formar parte de una de las cuatro grandes escuelas que hay en Sevilla, la de Juan del Castillo.

Se traslada a Madrid (no se conoce la fecha exacta de éste viaje). De 1638 data el primer cuadro del que se poseen noticias. La visión de Fray Lauterio. Al año siguiente pinta La Virgen del Rosario, del Palacio Arzobispal de Sevilla. El 7 de febrero de 1644 ingresa en la Cofradía de Nuestra Señora del Rosario y al poco tiempo solicita hacerse cargo de una serie de pinturas en el Claustro Chico del Monasterio de San francisco. El conjunto comprende once telas de tamaño natural, entre las que se destaca un San Francisco en Éxtasis, San Felipe, La muerte de Santa Clara y San Gil delante del Papa, además de los cinco episodios de la Vida de San Diego de Alcalá.

Sus figuras son graciosas y gran parte de sus modelos tienen un aire femenino. Su técnica es muy exquisita y le preocupan el dibujo y el color más que la composición. Pintó obras de gran calidad como La Cocina de los Ángeles. Entre 1645 y 1646 trabajó en 11 escenas de vidas de santos que le dieron popularidad.

En el año 1660 fundó y presidió la Academia de Dibujo de Sevilla. Destacó en la interpretación de niños marginados, como por ejemplo en el Niño pordiosero (1645, Museo del Louvre, París). Desde 1671 hasta 1674 trabajó en las pinturas de la iglesia de la Caridad de Sevilla, hoy en varios museos de San Petersburgo, Madrid (el Museo del Prado conserva numerosas obras suyas) y Londres. Se considera que ha sido el que mejor ha definido el tema de la Inmaculada Concepción, del que nos ofrece numerosas versiones. Sus pinturas de santos, corresponden al realismo imperante en el arte religioso del siglo XVII.

Bartolomé Esteban Murillo muere el 3 de abril de 1682, a consecuencia de un golpe sufrido al caer de un andamio mientras pintaba Los Desposorios de Santa Catalina del retablo mayor de los Capuchinos de Cádiz.

ALGUNAS DE SUS OBRAS:

Grandes Maestros

VINCENT VAN GOGH
Publicado: Buscabiografias

(30/03/1853 - 29/07/1890)

Pintor holandés

Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés.

Con 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa Los comedores de papas  (1885, Museo Vincent van Gogh, Amsterdam, Holanda), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera.

Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.

En 1886 viaja a París para vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Recibió gran influencia de la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Ando Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat.

En 1888 abandono la capital francesa para trasladarse al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888, Museo Vincent van Gogh) y Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos). Son también de esta época Descargadores en Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España). Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arles. Tan sólo les duró dos meses la paz y la armonía ya que después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja.

Pasó algún tiempo internado en un hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers atendido por un médico cordial cuyo retrato pintó (El doctor Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, París). Vincent van Gogh padeció de muchos problemas físicos debido, en parte, a la pobreza y a la desnutrición. Fue adicto a la caña de ajenjo, peligrosa bebida narcótica popular a finales del siglo XIX. Parece ser que padeció sífilis, tinnitus, envenenamiento por plomo, síndrome de Meniere y de epilepsia. Sus dos hermanos murieron jóvenes y su hermana, Wilhelmina, pasó la mayor parte de su vida en un asilo mental.

Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal (1890, Museo Vincent van Gogh), se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890. A pesar de su herida se arrastró de vuelta a la casa donde murió dos días después en brazos de su hermano Theo. "Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": estas son las palabras de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo en Julio 29, 1890.

Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. 

Los girasoles 

Noche estrellada

Los comedores de patatas

Grandes Maestros

                                         

DIEGO RODRIGUEZ DE SILVA Y VELAZQUEZ

   Publicado en: “er mundo de manué”

Diego Velázquez, Autorretrato , 1643.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, junio de 1599- Madrid, 6 de agosto de 1660) más conocido por Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro universal. En sus primeros años, en Sevilla, desarrollo un estilo naturista de iluminación tenebrista, por influencias de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se traslado a Madrid donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara. Sus maestros fueron Francisco Herrera el Viejo y Francisco Pacheco, que acabaría convirtiéndose en su suegro. En sus inicios sevillanos, su estilo era el del naturalismo tenebrista, valiéndose de una luz intensa y dirigida; su pincelada densamente empastada modelaba las formas con precisión, y sus colores dominantes eran tonos tostados y carnaciones cobrizas.

Para Xavier de Salas cuando Velázquez se estableció en Madrid, al estudiar a los grandes pintores venecianos en la colección real, modificó su paleta y pasó a pintar con grises y negros en lugar de los colores terrosos. Todavía hasta el final de su primer periodo madrileño, concretamente hasta que realizó Los borrachos, siguió pintando sus personajes con contornos precisos y destacándolos de los fondos con pinceladas opacas.

En su primer viaje a Italia realizó una radical transformación de su estilo. En este viaje el pintor ensayó nuevas técnicas, buscando la luminosidad. Velázquez, que había ido desarrollando su técnica en los años anteriores, concluyó esta transformación a mediados de 1630, donde se considera que encontró su lenguaje pictórico propio mediante una combinación de pinceladas sueltas de colores transparentes y toques precisos de pigmento para resaltar los detalles.

A partir de La fragua de Vulcano, pintada en Italia, la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Se componía básicamente de blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes. En La rendición de Breda y en el Retrato ecuestre de Baltasar Carlos, pintados en la década de 1630, concluyó este cambio. El recurso a los fondos claros y capas transparentes de color para crear una gran luminosidad eran frecuentes en pintores flamencos e italianos, pero Velázquez desarrolló esta técnica hasta extremos nunca vistos.

Esta evolución se produjo debido al conocimiento de la obra de otros artistas, especialmente la colección real y los cuadros que estudió en Italia. También por su relación directa con otros pintores, como Rubens en su visita a Madrid y los que conoció en su primer viaje a Italia. Velázquez, por tanto, no hacía como los otros pintores que trabajaban en España, que pintaban superponiendo capas de color. Él desarrolló su propio estilo de pinceladas diluidas y toques rápidos y precisos en los detalles. Estos pequeños detalles tenían mucha importancia en la composición. La evolución de su pintura prosiguió hacia una mayor simplificación y rapidez de ejecución. Su técnica, con el paso del tiempo, se volvió más precisa y esquemática. Fue el resultado de un amplio proceso de maduración interior.

El pintor no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; más bien prefería ajustarla según iba progresando el cuadro, introduciendo modificaciones que mejorasen el resultado. Raramente hacía dibujos preparatorios, simplemente hacía un bosquejo de las líneas generales de la composición. En muchas de sus obras sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Los contornos de las figuras se van superponiendo en el cuadro según modificaba su posición, añadía o eliminaba elementos. A simple vista se pueden observar muchos de estos ajustes: modificaciones en la posición de las manos, de las mangas, en los cuellos, en los vestidos. Otra costumbre suya era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos estos retoques se produjeron mucho tiempo después.

La paleta de colores que empleaba era muy reducida, utilizando en toda su vida los mismos pigmentos. Lo que varió con el tiempo es la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Algunas de sus obras

                                  Las Meninas 

Los Borrachos, también conocido como:  El Triunfo de Baco 

                 Cristo Crucificado

                           La Rendición de Breda, también conocido como: Las Lazas

                                       

Grandes Maestros

Leonardo da Vinci

De Biografias y Vidas

Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina.

Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para  Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo quedan indicios en sus notas y bocetos personales.

Leonardo da Vinci

Es, por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cuales destacanLa Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los Magos, el Retrato de Ginebra Benzi.Son composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del «Quattrocento» y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie de neblina característica. El propio Leonardo teorizó su concepción del arte pictórico como «imitación de la naturaleza» en unTratado de pintura que sólo sería publicado en el siglo XVII.

Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes que dejó Leonardo (escritos de derecha a izquierda y salpicados de dibujos) contienen también incursiones en otros terrenos artísticos, como la música (en la que destacó tocando la lira) o la literatura. Según su criterio no debía existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus investigaciones, dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía humana  (avanzando en el conocimiento de los músculos, el ojo o la circulación de la sangre), la zoología (con especial atención a los mecanismos de vuelo de aves e insectos), la geología (con certeras observaciones sobre el origen de los fósiles), la astronomía (terreno en el que se anticipó a Galileo al defender que la Tierra era sólo un planeta del Sistema Solar), la física o la ingeniería.

En este último terreno fue donde quedó más patente su talento de precursor a juicio de las generaciones posteriores, ya que Leonardo concibió multitud de máquinas que no dio a conocer entre sus contemporáneos y que la técnica ha acabado por convertir en realidad siglos más tarde: aparatos de navegación (como un submarino, una campana de buceo y un salvavidas), máquinas voladoras (como el paracaídas, una especie de helicóptero y unas alas inspiradas en las de las aves para hacer volar a un hombre), máquinas de guerra (como un puente portátil y un anticipo del carro de combate del siglo xx), obras de ingeniería civil (como canalizaciones de agua o casas prefabricadas), máquinas herramientas (como una hiladora, una laminadora, una draga o una cortadora de tornillos), fortificaciones, etcétera.

Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de objetivos diferentes que apenas ejerció influencia sobre la marcha de los distintos campos que tocó (aunque sí obtuvo un gran prestigio personal, que ha perdurado hasta nuestros días): muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabados cuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero no se esforzó por plasmarlas en modelos viables que pudieran funcionar, por lo que la mayoría de sus investigaciones fueron especulaciones teóricas sin consecuencias prácticas. En ellas se concentró a partir de 1516 cuando, con las manos afectadas por una parálisis, pasó a vivir en Francia bajo la protección de Francisco I.

Estas son algunas de sus obras:

La virgen de las Rocas 

Anunciación

La Gioconda

Última Cena 

Grandes Maestros

CLAUDE MONET

PUBLICADO POR  PROYECTORAYUELA

Claude Monet (1840-1926)

Pintor impresionista, francés, notable paisajista.

Nace en Paris el 14/11/1840, en la Rue Laffitte. Contemporáneo de Cezanne y Renoir, entre otros. Compartieron en la pintura francesa el nacer del impresionismo.

Pierde al padre prematuramente, entonces la hermanastra de aquel, pasa tomar un papel muy importante en su vida artística.

Creció junto al mar, poco dedicado a los estudios, más bien le gustaba vagar contemplando la naturaleza.

Monet comienza su vida artística cultivando la caricatura.En 1855, a los 15 años goza ya de buena reputación como caricaturista en El Havre.

Ese gusto por la libertad y la naturaleza tienen mucho que ver con Eugene Baudin (hermanastra de su padre). Monet primero se mostró contrario a las marinas pero luego ese estilo lo caracterizó.

Luego una nueva tragedia llega a su vida en 1857 muere su madre.

En 1858 participa por primera vez en la Exposition Municipale du Havre, con el cuadro titulado "Vue prisé a Rauelles", fechado en ese mismo año. En 1860 se interesa por conocer el ambiente artístico de Paris.

Se relaciona con Baudin y luego alejandose de la enseñanza oficial, deposita la confianza de su aprendisaje, en Jongkind, quien lo educa en su percepción visual.

Se casa con Camille.

Hace viajes, vive guerras, conflictos políticos...Mucho más se puede escribir de este artista, pero citemos algunas de sus obras:

Mujeres en el jardín (1867)

Puente sobre el Sena (1874)

Crepúsculo sobre el Sena (1880)

El jardin de Giverny (1900)

El 05/12/1926, su vida termina, justamente en Giverny a los 86 años de edad...

Algunas de sus obra:

Grandes Maestros

Pierre Auguste Renoir - Pierre-Auguste Renoir

(25/02/1841 - 03/12/1919)

Pintor impresionista francés

Nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Hijo de un sastre que trasladó a su familia a Paris.

Durante su infancia trabajó como decorador en una fábrica de porcelanas. Con 17 años copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue admitido en la Academia de Bellas  Artes y en 1862 se matriculó en la academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Frideric Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley

En su obra más temprana se pudo observar la influencia de pintores como Monet en su tratamiento de la luz, y de Eugene Delacroix en su tratamiento del color. En 1864 tuvo lugar su primera exhibición en París, pero no fue verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de pintores de la nueva escuela impresionista.

Su baile del Moulin de la Galette (1876, Museo d'Orsay, París) es una de las obras más famosas del impresionismo. Habría que destacar como otros ejemplos de retrato:Madame Charpentier y sus niños(1878, Museo Metropolitano de Nueva York) y Jeanne Samary (1879, Museo del Louvre de París). Otras pinturas destacadas son: El palco (1874, Galerías del Courtauld Institute de Londres), Mujer del abanico (1875) y El Columpio (1875), ambas en el Museo d'Orsay de París, El almuerzo de los remeros (1881, Colección Phillips de  Washington), Los paraguas  (1883, National Gallery, Londres) y Jarron de crisantemos (1895, Museo de Bellas Artes de Ruán, Francia).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada en la galería Durand-Ruel de París en 1883. Entre 1884 y 1887 realizó unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como Las grandes bañistas  (Museo de Arte de Filadelfia).

En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó trabajando con un pincel atado al brazo.

Su hijo Jean Renoir, se  convertiría en un cineasta de fama internacional.

Muchachas tocando piano 

Diana la cazadora 

Baile en Bougival

Baile en el Moulin de Galette

TEMAS VARIOS

EL COLOR 

El círculo cromático es una rueda que permite identificar las distintas familias de colores y la relación que existe entre ellas. Lo componen 12 colores básicos y podemos emplearlo para hacer la selección de color que nos parezca adecuada a nuestro diseño.

Tres COLORES PRIMARIOS : rojo, azul y amarillo

Son aquellos colores fundamentales que no pueden ser obtenidos por la mezcla de otros. Mezclándolos de dos en dos se obtienen los secundarios. Todos los colores, excepto el blanco, proceden de los colores primarios. Los demás colores se obtienen mediante la combinación de estos tres. Si se mezclan los tres a partes iguales, se obtiene el negro.

Tres  COLORES SECUNDARIOS: verde, violeta y naranja

Para crear los colores secundarios se mezclan dos primarios a partes iguales. Así obtenemos el violeta (rojo y azul), el verde (azul y amarillo) y el naranja (rojo y amarillo).

Seis COLORES TERCIARIOS: rojo violáceo, rojo anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul violáceo

Son los creados por la mezcla de colores primarios y secundarios o bien de dos primarios en cantidades desiguales.

ARMONÍA DEL COLOR

Los colores armónicos son aquellos que funcionan bien juntos, es decir, que producen un esquema de color atractivo a la vista. El círculo cromático es una valiosa herramienta para determinar armonías de color.

Los colores pueden armonizarse por la unidad del color, cuando todos los colores de una obra están situados en el mismo lado del círculo, o por el contraste, haciendo uso de cálidos y fríos o de complementarios. Muchas obras de arte han sido fundamentadas en un esquema de uno o dos colores principales, sus análogos y el complementario.

COLORES CÁLIDOS Y FRÍOS

Esta división de los colores en cálidos y fríos, radica simplemente en la sensación y experiencia humana. La calidez y la frialdad atienden a sensaciones térmicas. Los colores, de alguna manera, nos pueden llegar a transmitir estas sensaciones. Un color frío y uno cálido, o un color primario y uno compuesto, se complementan.

Los cálidos son los que aparecen en la parte derecha del círculo cromático (del amarillo al rojo), se dice que transmiten una sensación de unidad y fuerza, que poseen un carácter inquieto, vivo y estimulante.

Los fríos son los que aparecen en la parte izquierda del círculo cromático (del azul al verde) se dice que son relajantes y crean una sensación de calma y tranquilidad.

COLORES PASTEL

Los colores pastel son aquellos que contienen gran cantidad de blanco. Como son muy claros, es raro que creen contrastes discordantes con otros colores.

COLORES NEUTROS

Los colores neutros son los distintos tonos de blanco, gris y negro. Son los más fáciles de usar porque combinan bien en casi todos los entornos. Los colores neutros pueden resultar elegantes e impresionantes. Por ejemplo, el blanco y el negro conforman una excelente paleta a la que añadir más colores.

COLORES COMPLEMENTARIOS

Los colores complementarios son aquellos que están situados en posiciones diametralmente opuestas en el círculo cromático y que producen un fuerte contraste.

Por ejemplo, son complementarios el rojo y el verde, el azul y el naranja, el amarillo y el violeta. Los colores complementarios se realzan entre sí en una combinación pero cuando dos complementarios se mezclan tienden a neutralizarse y agrisarse mutuamente, llegando a producir un gris oscuro casi negro cuando se realiza en proporciones iguales.

En combinaciones de colores complementarios, uno de ellos debe ser el dominante, y el otro se debe usar de un modo más sutil. Por ejemplo, usaremos un amarillo medio o claro para marcar un contraste con el violeta intenso o a la inversa.

El complementario de un primario es la mezcla de los otros dos primarios (un secundario), así, el del rojo será el verde porque contiene al azul y al amarillo, el del amarillo será el violeta porque contiene al azul y al rojo, y el del azul será el naranja porque contiene al rojo y al amarillo.

El complementario de un secundario será aquel color que no intervenga en la mezcla: el del naranja, formado por amarillo y rojo, será el azul; el del verde, formado por azul y amarillo, será el rojo; y el del violeta, formado por azul y rojo, será el amarillo.

El complementario de un intermedio serán aquellos dos colores que sean complementarios a los que en él intervienen: un amarillo-naranja tendrá como complementario al azul-violeta, ya que el complementario del azul es el naranja y el del amarillo es el violeta.

COLORES COMPLEMENTARIOS ADYACENTES

Los colores complementarios adyacentes ofrecen una paleta audaz y atrevida. Elija un color principal, busque su complementario y escoja los colores que están a ambos lados de éste. Estos colores son excelentes para acabados decorativos.

COLORES ANÁLOGOS

Los colores análogos son aquellos situados en posiciones contiguas o adyacentes comprendidos en un cuarto del círculo cromático y producen efectos de menor contraste que los complementarios.

Por ejemplo, esquemas de cuatro colores análogos serían: amarillo, amarillo-naranja, naranja y rojo-naranja, o azul, azul-violeta, azul-verde y violeta, o de tres colores: rojo, rojo-naranja y naranja. En estos esquemas existe un color dominante o padre que interviene en todos y los relaciona haciendo que armonicen entre sí: en el primer ejemplo de los esquemas citados es el amarillo, en el segundo el azul y en el tercero el rojo.

COLORES MONOCROMÁTICOS

Los colores monocromáticos son aquellos que tienen el mismo tinte, pero difieren en matiz, valor y saturación. Usando dos o más colores monocromáticos conseguirá un efecto elegante y agradable.

Es el esquema más simple, pues se desarrolla con un solo color con sus diferentes intensidades y tonalidades, por ejemplo, un rojo-violeta en sus gradaciones claras, intermedias y oscuras, ya que la adicción de blanco, negro o gris solo actúan para elevar o descender el tono y no alteran su distinción.

Como en los esquemas de colores análogos o monocromáticos puede manifestarse el efecto de regularidad y monotonía, se les suele estimular añadiendo unos acentos del color complementario al de dominio, y también por variaciones cálidas o frías del color. Estos acentos, aunque sean pequeños e intensos, crearán una sensación excitante y activa, vitalizando el esquema. Por ejemplo, en algunas piezas construidas por verdes variados y azules-verdes, que pueden ofrecer una impresión algo pasiva, se los anima usando una pequeña nota de color rojo.

EL PRINCIPIO DE LAS ÁREAS

Cuando todos los colores tienen la misma extensión y la misma potencia, se produce entre ellos un choque brutal por la competencia para alcanzar la supremacía

En un arreglo basado en áreas de azul y naranja con la misma intensidad y tamaño, la lucha cromática se vuelve insoportable, pudiendo evitarse haciendo que uno de los dos tenga más extension que el otro, por ejemplo: cuatro quintos para el naranja y un quinto para el azul; o bien, si mantenemos la igualdad de áreas, neutralizando, aclarando u oscureciendo uno de los dos y dejando al otro igual. También pueden armonizarse mezclando a cada uno un poco del otro o añadiendo a los dos un pequeño toque de gris.

CONTRASTE SIMULTÁNEO

Otro punto a tener en cuenta en el estudio del color es el del entorno visual en el que se realiza la visión ya que un mismo color será visto de manera distinta según lo pongamos sobre una superficie de un color u otro. Este fenómeno de variación en la visión de un color a causa de los colores que lo rodean se denomina contraste simultáneo.